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Cinema

A importância das produções de época com protagonismo feminino LGBTQIA+

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As produções de época são um clássico do entretenimento, e quando envolvem mulheres LGBTQIA+ são ainda melhores. Muitas destas retratam pessoas reais que tiveram sua sexualidade apagada, e são apenas retratadas como mulheres reclusas ou quando casais somente como amigas. Alguns dos conteúdos produzidos nos últimos tempos procura mudar essa visão para o grande público e retratar a pessoa histórica de forma mais próxima da realidade. 

Um dos melhores exemplos recentes é Dickinson, série da Apple TV+, criada por Alena Smith, que mostra de maneira livremente inspirada a vida da poetisa americana Emily Dickinson (1830-1886). A série foi finalizada em 2021 e chegou a ganhar um prêmio Peabody.

Existe também o longa-metragem Ammonite (2020) que conta a história da paleontóloga inglesa Mary Anning, que realizou grandes descobertas de fósseis. O filme é baseado em uma narrativa sobre o romance de Mary com a geóloga Charlotte Murchison. A produção causou muito hype ao trazer as atrizes Kate Winslet e Saoirse Ronan para interpretar Mary e Charlotte.

Há histórias retratadas que não apresentam nenhum personagem histórico, mas apenas tem a intenção de passar a vivência de uma determinada época e que, neste tempo, haviam mulheres que se relacionavam com outras mulheres: Retrato de uma Jovem em Chamas (2019), longa francês da diretora Céline Sciamma, conhecida por trazer a temática LGBTQIA+ para suas produções, foi o queridinho dos críticos e de premiações. Ele retrata o encontro de uma jovem pintora, Marianne (Noémie Merlant), e de uma jovem noiva que se recusa a ser retratada, Héloïse (Adèle Haenel), toda a construção da relação entre as duas e do quadro de Marianne, o retrato de uma jovem em chamas. A trama se passa no século 18, em que era comum os casamentos arranjados e o ato de enviar pinturas para que seus pretendentes os conhecessem. Todos os costumes, vestimentas e locações remetem à ideia dessa época.

“Retrato de uma Jovem em Chamas” – Adèle Haenel como Héloïse e Noémie Merlant como Marianne

Existem outras produções que procuram colocar mulheres LGBTQIA+ em contextos de época:

  • “A Favorita” (2018) – a história contada sobre a Inglaterra do século 18, sob o comando da Rainha Anne (Olivia Colman), mostra sua relação com as duas damas de companhia Sarah Churchill (Rachel Weisz) e Abigail (Emma Stone);
  • “Adeus, Minha Rainha” (2012) – mostra a França de 1789, na corte de Maria Antonieta (Diane Kruger), agitada por conta dos acontecimentos que precedem a tomada da Bastilha e a relação entre a rainha e a Duquesa de Polignac (Virginie Ledoyen);
  • Gentleman Jack (2019) – considerada uma mulher à frente do seu tempo, Anne Lister (Suranne Jones) vivia para desafiar as convenções sociais e de gênero, não só pelas suas vestimentas e romances com mulheres, que foram amplamente relatados em seus diários, mas também por ser uma empresária e dona de propriedades, coisas incomuns para mulheres na Inglaterra do século 19;
  • Elisa y Marcela (2019) – conta a história do único casal lésbico (de que se tem notícia) que realizou, pela Igreja Católica, em 8 de junho de 1901, na Região da Galícia, o casamento. Ambas se conheciam desde a adolescência e a forma que encontraram de se casar foi vestindo Marcela (Greta Fernández) como o primo Mário e assim foi realizada a cerimônia. Apesar de todos os problemas ocorridos após a descoberta do disfarce, o que se sabe é que Elisa e Marcela viveram por anos juntas, na Argentina, tempos depois;
  • The World to Come (2020) – duas mulheres que vivem reclusas, se tornam vizinhas e começam a construir uma relação apesar de ambas já serem casadas com homens. A história se passa no estado de Nova York em 1850.

A maioria das produções estão disponíveis nos streamings, somente “The World to Come” e “Ammonite” que estão disponíveis apenas para aluguel na Apple TV+ e no Google Play Filmes.

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Cinema

Crítica | Brenda Lee e o Palácio das Princesas – um musical bibliográfico que vale a pena

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“Brenda Lee e o Palácio das Princesas” é um musical bibliográfico que conta a história da ativista transgênero, Brenda Lee. O filme é uma peça teatral, que foi adaptada para o audiovisual, e carrega muito das duas linguagens, mesmo com muitos diálogos a narrativa, não fica cansativo, já que intercala com músicas cantadas pelas próprias atrizes.

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O longa é gravado em uma espécie de galpão, que é dividido em cenários pequenos e com poucos objetos cenográficos, brincando com a imaginação dos espectadores. O cenário onde acontecem a maioria dos momentos musicais do filme, por exemplo, é feito com uma cortina de franjas que reflete a cor das luzes que estão sendo usadas na cena e isso faz a magia dessas cenas acontecer. 

Sobre a fotografia, é interessante perceber que vemos câmera fixa nos momentos de entrevista com a Brenda Lee, remetendo a linguagem documental, já em outros, temos a câmera bem solta acompanhando o andar das personagens, principalmente nas cenas musicais. As músicas de “Brenda Lee e o Palácio das Princesas” são um espetáculo à parte, sendo muito bem interpretadas pelas atrizes e com boas composições que compõem a narrativa. 

O longa tem três diretores diferentes, Zé Henrique de Paula, como diretor geral da obra; Laerte Késsimos, como direção audiovisual; e Fernanda Maia, como direção musical. Possuir três diretores em uma mesma obra, mesmo que em áreas diferentes, é um grande desafio, mas os três trabalharam bem juntos e conseguiram imprimir todas as linguagens que se propuseram a usar.

Brenda Lee foi uma figura real e muito importante durante a pandemia de HIV/Aids aqui no Brasil, inaugurando o Palácio das Princesas, a primeira casa de acolhimento para pessoas soro positivo na década de 80. Esse filme é uma grande homenagem a sua história e luta.

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É importante lembrar das pessoas que lutaram antes, para que, hoje, possamos existir mais livremente.

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Crítica | Morte Morte Morte – terror e comédia em uma narrativa cativante e desafiadora

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“Morte Morte Morte” (“Bodies Bodies Bodies”) é um filme que mescla os gêneros de terror e comédia, provocando tensão nos espectadores e risadas genuínas. Após um período afastada de seus amigos, Sophie (Amandla Stenberg) decide que ir à festa que estão organizando durante um furacão é uma boa oportunidade para se reaproximar e entender como está sua relação com a própria família. Quando a noite cai e o tédio começa a aparecer, Sophie propõe que joguem um jogo chamado Bodies Bodies Bodies.

Dirigido pela cineasta holandesa Halina Reijn, também responsável por “Instinto” (2019), e produzido pela A24, conhecida por filmes como “Pearl” e “Midsommar” o filme conta com as atrizes Amandla Stenberg e Maria Bakalova, interpretando Bee, namorada de Sophie. Além disso, o comediante Pete Davison também participa, interpretando David, um dos amigos de Sophie.

O roteiro segue uma narrativa cíclica, acompanhando a dinâmica do jogo Bodies Bodies Bodies, no qual os personagens encontram um corpo, gritam e começam a discutir sobre quem é o assassino. Utilizando áudios do TikTok e algumas discussões triviais, mas que são extremamente importantes para os personagens, o roteiro satiriza a geração Z, trazendo o tom cômico do filme. É um roteiro simples, mas eficaz.

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Com uma fotografia intrigante que utiliza lanternas, celulares e pulseiras neon como métodos de iluminação, o filme se torna ainda mais misterioso, deixando boa parte do que é visto na tela em completa escuridão. Para além da iluminação, uma cena que chamou bastante a atenção é aquela que ocorre dentro do carro, em que a câmera fica fixa no meio dos personagens e gira para mostrar a reação de cada um diante dos acontecimentos.

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Em “Morte Morte Morte”, Sophie é lésbica. No entanto, esse não é o ponto central da personagem. Ela é lésbica, está ciente disso, tem uma namorada e se sente confortável com sua identidade. A trama de Sophie e seus problemas não têm relação direta com sua sexualidade, e é muito interessante assistir a narrativas com jovens adultas sáficas em que o foco principal da trama não seja sua autodescoberta. São narrativas que mostram que temos uma vida para além de nossa sexualidade ou identidade de gênero.

O filme está disponível na plataforma de streaming da HBO Max.

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Crítica | Crush: Amor Colorido – uma comédia romântica que aquece o coração

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“Crush: Amor Colorido” é um filme de comédia romântica adolescente com gostinho de sessão da tarde. Nele acompanhamos Paige (Rowan Blanchard), uma adolescente lésbica que está tentando entrar para uma faculdade de artes. Entre amizades, desenhos e um crush enorme na garota popular da escola, Paige é obrigada a entrar para o time de atletismo e procurar quem é o artista cheio de trocadilhos que está pintando murais pela escola e pendurando suas artes por aí. Durante essa procura, Paige não só vai encontrar o amor, mas também uma nova forma de se expressar através da arte.

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Dirigido por Sammi Cohen e estrelado por Rowan Blanchard, Auli’i Carvalho e Isabella Ferreira, a obra está cheia de clichês da adolescência que a maioria de nós vivemos, as paixões platônicas, a falta de habilidade nos flertes e muitos gay panics. O filme foi lançado em 2022 pelo streaming Hulu e aqui no Brasil está disponível no Star+

“Crush: Amor Colorido” é um filme levinho, que acontece em um mundo utópico onde não existe homofobia e nenhum tipo de preconceito. A relação da Paige com os amigos e a mãe é cheia de amor e apoio, tanto que durante a produção, o melhor amigo dela apoia que ela converse com a paixão platônica dela e até a ajuda a dar o primeiro beijo. É lindo ver que Paige tem todo o apoio e afeto vindos da mãe. A relação das duas durante a trama é bem construída e gera muitas cenas cômicas com a mãe da Paige sendo a favor de que a filha tenha uma vida sexual ativa e protegida.

Tecnicamente, o filme não tem inovações, mas sendo uma produção direcionada ao público adolescente, não é isso que estamos procurando ao escolher assisti-lo. Com uma narrativa que conversa muito com desenhos, grafites e expressões artísticas, a direção soube dosar os momentos onde essas intervenções entrariam. 

Algumas das cenas que merecem sua atenção são as de passagem de tempo, que mesmo reciclando o que já foi feito antes, tem um Q de diferente. E principalmente, a cena de investigação na primeira festa, que tem uma montagem incrível que dá um ritmo diferente ao filme e flui junto com a narrativa.

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“Crush: Amor Colorido” é leve e dá para assistir quando estiver triste, feliz, quiser companhia para o almoço ou quiser assistir a uma comédia romântica fofinha. Um filme que, após os créditos, vai deixar você com o coração quentinho.

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Bombando

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