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Cinema

Crítica | Aos Nossos Filhos – um filme sobre a maternidade e a maternagem

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Baseado na peça que carrega o mesmo nome, “Aos Nossos Filhos” é uma trama que gira em torno da relação entre mãe e filha: Vera (Marieta Severo), a mãe, uma mulher que pegou em armas para lutar contra a ditadura e carrega terríveis traumas do passado; e Tânia (Laura Castro), a filha, que vive um casamento de 15 anos com Clarisse (Denise Crispim). Enquanto Vera não acha certo gastar dinheiro com o procedimento para engravidar que a filha e a nora estão tentando – ganhando assim, a inimizade da filha – Fernando (José de Abreu), pai da moça, se torna o queridinho da família, sempre incentivando as duas.

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Sobrevivente de torturas durante a ditadura militar, Vera ainda sofre com esse passado não cicatrizado, e seu dia a dia numa ONG de adoção de crianças soropositivas em uma comunidade do Rio faz com que ela reviva constantemente o clima de tensão. Assim, o longa se costura como crônicas da maternagem imperfeita, cheia de cicatrizes, mágoas, rancores e, também, amores e afetos – que nunca cessam apesar das ranhuras diárias.

O roteiro de Laura Castro e Maria de Medeiros joga foco nas vidas das mulheres trazendo os desafios tanto do ser mulher quanto de ser filha e ser mãe, tornando o longa de Maria de Medeiros, acima de tudo,

um filme sobre mãe e filhas. Ainda que o roteiro insira alguns elementos que pouco se desenvolvem, estes entram em cena para preencher a passagem de tempo das crônicas familiares dessas três mães em desenvolvimento constante.

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A maior virtude do longa está em um comprometimento com a noção de que cada personagem vive dentro de uma narrativa que constrói para si e que esta narrativa, inevitavelmente, não vai englobar vivências alheias que, por vezes, vão entrar em choque ao longo da história. Tanto Vera quanto Tânia têm suas verdades, suas histórias e sentimentos, mas o filme nunca coloca nenhuma delas como símbolo moral inquestionável e está sempre tentando criar embates entre vivências que são diferentes, mas igualmente válidas, ainda assim sem cair numa noção de que seguir pautas progressistas ou levantar certas bandeiras torna alguém automaticamente bom ou mau. A produção está mais interessada na ideia de que a mediação entre essas vivências é a única forma de seguir adiante.

A produção poderia ser melhor? Sim. Porque ainda deixa algumas pontas soltas envolvendo personagens secundários que, em algum momento, parece que receberão um desenvolvimento mais elaborado, mas acabam servindo mais como um ponto de reflexão para as protagonistas.

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Ao jogar luz sobre a maternidade e a maternagem de formas separadas, “Aos Nossos Filhos” ajuda a desconstruir estigmas e a reconstruir as possibilidades para as novas gerações, além de também retratar toda uma geração de mães que, marcadas pelas dores da ditadura, fizeram seu melhor, ainda que as atuais gerações pareçam ter esquecido que esse passado ainda é recente e que lidamos no dia a dia com muitas pessoas sobreviventes desse trauma.

“Aos Nossos Filhos” está em cartaz nos cinemas. E você pode conferir no mais próximo a você!

Maria Izabelly Lopes, é ex estudante de jornalismo (grande coisa) e atualmente é quase psicóloga. Viciada em Grey’s Anatomy, sabe bem o que é ser trouxa por séries. Feminista, esquerdista e sem terra de carteirinha. Recifense com muito orgulho e fã de muita coisa.

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Crítica | Brenda Lee e o Palácio das Princesas – um musical bibliográfico que vale a pena

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“Brenda Lee e o Palácio das Princesas” é um musical bibliográfico que conta a história da ativista transgênero, Brenda Lee. O filme é uma peça teatral, que foi adaptada para o audiovisual, e carrega muito das duas linguagens, mesmo com muitos diálogos a narrativa, não fica cansativo, já que intercala com músicas cantadas pelas próprias atrizes.

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O longa é gravado em uma espécie de galpão, que é dividido em cenários pequenos e com poucos objetos cenográficos, brincando com a imaginação dos espectadores. O cenário onde acontecem a maioria dos momentos musicais do filme, por exemplo, é feito com uma cortina de franjas que reflete a cor das luzes que estão sendo usadas na cena e isso faz a magia dessas cenas acontecer. 

Sobre a fotografia, é interessante perceber que vemos câmera fixa nos momentos de entrevista com a Brenda Lee, remetendo a linguagem documental, já em outros, temos a câmera bem solta acompanhando o andar das personagens, principalmente nas cenas musicais. As músicas de “Brenda Lee e o Palácio das Princesas” são um espetáculo à parte, sendo muito bem interpretadas pelas atrizes e com boas composições que compõem a narrativa. 

O longa tem três diretores diferentes, Zé Henrique de Paula, como diretor geral da obra; Laerte Késsimos, como direção audiovisual; e Fernanda Maia, como direção musical. Possuir três diretores em uma mesma obra, mesmo que em áreas diferentes, é um grande desafio, mas os três trabalharam bem juntos e conseguiram imprimir todas as linguagens que se propuseram a usar.

Brenda Lee foi uma figura real e muito importante durante a pandemia de HIV/Aids aqui no Brasil, inaugurando o Palácio das Princesas, a primeira casa de acolhimento para pessoas soro positivo na década de 80. Esse filme é uma grande homenagem a sua história e luta.

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Crítica | Morte Morte Morte – terror e comédia em uma narrativa cativante e desafiadora

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“Morte Morte Morte” (“Bodies Bodies Bodies”) é um filme que mescla os gêneros de terror e comédia, provocando tensão nos espectadores e risadas genuínas. Após um período afastada de seus amigos, Sophie (Amandla Stenberg) decide que ir à festa que estão organizando durante um furacão é uma boa oportunidade para se reaproximar e entender como está sua relação com a própria família. Quando a noite cai e o tédio começa a aparecer, Sophie propõe que joguem um jogo chamado Bodies Bodies Bodies.

Dirigido pela cineasta holandesa Halina Reijn, também responsável por “Instinto” (2019), e produzido pela A24, conhecida por filmes como “Pearl” e “Midsommar” o filme conta com as atrizes Amandla Stenberg e Maria Bakalova, interpretando Bee, namorada de Sophie. Além disso, o comediante Pete Davison também participa, interpretando David, um dos amigos de Sophie.

O roteiro segue uma narrativa cíclica, acompanhando a dinâmica do jogo Bodies Bodies Bodies, no qual os personagens encontram um corpo, gritam e começam a discutir sobre quem é o assassino. Utilizando áudios do TikTok e algumas discussões triviais, mas que são extremamente importantes para os personagens, o roteiro satiriza a geração Z, trazendo o tom cômico do filme. É um roteiro simples, mas eficaz.

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Com uma fotografia intrigante que utiliza lanternas, celulares e pulseiras neon como métodos de iluminação, o filme se torna ainda mais misterioso, deixando boa parte do que é visto na tela em completa escuridão. Para além da iluminação, uma cena que chamou bastante a atenção é aquela que ocorre dentro do carro, em que a câmera fica fixa no meio dos personagens e gira para mostrar a reação de cada um diante dos acontecimentos.

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Em “Morte Morte Morte”, Sophie é lésbica. No entanto, esse não é o ponto central da personagem. Ela é lésbica, está ciente disso, tem uma namorada e se sente confortável com sua identidade. A trama de Sophie e seus problemas não têm relação direta com sua sexualidade, e é muito interessante assistir a narrativas com jovens adultas sáficas em que o foco principal da trama não seja sua autodescoberta. São narrativas que mostram que temos uma vida para além de nossa sexualidade ou identidade de gênero.

O filme está disponível na plataforma de streaming da HBO Max.

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Crítica | Crush: Amor Colorido – uma comédia romântica que aquece o coração

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“Crush: Amor Colorido” é um filme de comédia romântica adolescente com gostinho de sessão da tarde. Nele acompanhamos Paige (Rowan Blanchard), uma adolescente lésbica que está tentando entrar para uma faculdade de artes. Entre amizades, desenhos e um crush enorme na garota popular da escola, Paige é obrigada a entrar para o time de atletismo e procurar quem é o artista cheio de trocadilhos que está pintando murais pela escola e pendurando suas artes por aí. Durante essa procura, Paige não só vai encontrar o amor, mas também uma nova forma de se expressar através da arte.

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Dirigido por Sammi Cohen e estrelado por Rowan Blanchard, Auli’i Carvalho e Isabella Ferreira, a obra está cheia de clichês da adolescência que a maioria de nós vivemos, as paixões platônicas, a falta de habilidade nos flertes e muitos gay panics. O filme foi lançado em 2022 pelo streaming Hulu e aqui no Brasil está disponível no Star+

“Crush: Amor Colorido” é um filme levinho, que acontece em um mundo utópico onde não existe homofobia e nenhum tipo de preconceito. A relação da Paige com os amigos e a mãe é cheia de amor e apoio, tanto que durante a produção, o melhor amigo dela apoia que ela converse com a paixão platônica dela e até a ajuda a dar o primeiro beijo. É lindo ver que Paige tem todo o apoio e afeto vindos da mãe. A relação das duas durante a trama é bem construída e gera muitas cenas cômicas com a mãe da Paige sendo a favor de que a filha tenha uma vida sexual ativa e protegida.

Tecnicamente, o filme não tem inovações, mas sendo uma produção direcionada ao público adolescente, não é isso que estamos procurando ao escolher assisti-lo. Com uma narrativa que conversa muito com desenhos, grafites e expressões artísticas, a direção soube dosar os momentos onde essas intervenções entrariam. 

Algumas das cenas que merecem sua atenção são as de passagem de tempo, que mesmo reciclando o que já foi feito antes, tem um Q de diferente. E principalmente, a cena de investigação na primeira festa, que tem uma montagem incrível que dá um ritmo diferente ao filme e flui junto com a narrativa.

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“Crush: Amor Colorido” é leve e dá para assistir quando estiver triste, feliz, quiser companhia para o almoço ou quiser assistir a uma comédia romântica fofinha. Um filme que, após os créditos, vai deixar você com o coração quentinho.

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Bombando

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